Textos Críticos / Charlotte Von Mess

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bio:
Charlotte von Mess (Egipto, 1958). Hija de un diplomático alemán y una actriz italiana. Reconocida crítica de arte a nivel internacional. Desde hace más de 20 años viaja por distintos puntos del mundo tomando notas de investigación en artes visuales. En la actualidad prepara un ensayo sobre arte contemporáneo en Sudamérica.

 

Corporación magnificente y estertores endógenos. Polifonía.

Anotaciones y reflexiones sobre el ciclo de arte de acción Aún sin título, organizado por Soledad Sánchez Goldar en Documenta/ Escénicas – 2014

 

Por Charlotte von Mess

“(…) desde la homeostasis hasta el crepitar, que sin

lugar a dudas tienen la unicidad y la epistemología

en nuestras vidas.”

Extracto de una carta

de Francoise M. enviada a Jean Baudrillard

 

 

Agnes Nedregard (Noruega)

 

La artista logra a través de acciones simples cambiar la energía de un lugar con receptores. Por ejemplo, recostada cómoda sobre su abdomen en el suelo, sostiene con la boca un cenicero que a su vez sostiene un cigarrillo encendido y fuma hasta terminarlo. Entra y sale por una misma puerta abriéndola y cerrándola con fuerza, lo que hace temblar el espacio. Con una venda anudada en los ojos que le sostiene una raqueta de madera, le pega a otra que cuelga de un elástico del techo generando violencia.

Gestos simples e inusuales (de lo cotidiano) que transportan hacia emociones opuestas.

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Ana Volon(té) – “Té que se derrama” – Video-performance

 

té caliente – vapor (vaho del agua) – flores

 

espejo/ el agua (de oro)/ “agua sucia”

 

Desborde, al igual que en su video-performance “Vanitas”, donde se produce una gran construcción (armado) destinada al fracaso.

 

Vanessa Vahos (Colombia) – “Nada no significa nada aunque uno quisiera que así fuese, ya que siempre se convierte en algo

 

-mostrar procesos de trabajo

-espacio de experimentación

 

arte de acción – arte a tracción

 

“Soy una artista”/ “Yo no soy ninguna artista”

 

-habla con escritos veloces, corporales, visuales

-voz, sonido, movimiento de lo invisible

 

Vahos camina por una línea sobre el piso, como por los bordes de una reja con los brazos mojados con lágrimas. Ella misma es una bolita emocional. “¿Me regalarías una caricia?” Los receptores, ahora también performers, la acarician sin acariciar, algunos “siendo creativos”, otros sí la acarician. Porque está triste o lo parece. La artista va uno por uno a recibir amor. Una otro se hace, sin embargo, una selfie.

 

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Talma Salem (Brasil) – I´M VERY MUCH IN LOVE W/U

 

hilos rojos, gente bordando alrededor de

 

Una me(i)sa, se bebe vino tinto; música de fondo. Primero dibujan con lápiz el mantel blanco.

 

“GRACIAS POR TU AMOR”

 

“AMOR

ROMA

MORA

ORAM”

 

“NO SÉ”

 

“ADORÉ

 

MARIO TE AMO

 

Un hombre joven, sentado, observa a los demás bordar mientras toma vino. Una pared humana, de carne, blanda, mira bordar, rodea con observación contemplativa.

 

[…]

 

Grupo ARCHIVOS (Eva Ana Finquelstein, Lucrecia Requena, Jésica Marcantoni y Mel Passardi) – TÍTULO (La Divina Comedia del Arte road-movie)

 

Eva A. Finquelstein da vuelta la cámara hacia los receptores y los filma.

cámara/ acción

 

-El sadismo sólo da placer con artistas/ cuerpos bellos cercanos.

-Lo que va a la cabeza, va al sexo femenino. Amor de la cabeza en la cabeza, llevado al sexo.

 

“te invito a mi fiesta”

 

—La filmación en vivo de la performance. Filmación de lo filmado y editado.

 

“y eso se parece al amor”

 

Dos de las artistas reparten popcorn salado entre los receptores para ver “Inland Empire”/ Grupo ARCHIVOS dub versión.

 

Se escucha el crujir de los espectadores. Así participan. Miran. Envases de cartón de rayas rojas y blancas, como parte de la ropa de acción: negro, blanco, rojo.

 

¿Texto dicho/enunciado como en teatro? Texto de “El principito” para conducir a los receptores a aplaudir: “Golpea tu mano una contra la otra”. Ejercicio de aplauso guiado por las performers (parecen aplausos de templo, aplausos de “El camino de Dios”, etc.).

 

Al final, el espacio/sala queda con popcorn tirado, cajitas vacías, semi-vacías, aplastadas, como en el cine.

 

[…]

 

“TE AMO”

 

“Bordando frases o declaraciones de amor. O charlar, tomar un vinito.”

 

Cajitas de cartón rojo y blanco sobre la mesa de bordado/ mantel blanco, hilo rojo.

 

“para no olvidar”

 

La artista Talma Salem cuenta la historia de amor real y trágico de un hombre de Camerún, víctima de la homofobia; Salem lo hace de un modo amoroso, tranquilo, mientras los demás van bordando.

 

“TE HICE TORTA DE MANZANA” (un chico bordando un corazón)

 

—distintas técnicas de bordado

 

“VOY HOY Y (dibujo simbólico) VOS Y YO”

 

“GRACIAS POR TU AMOR”

 

Copas vacías, medio llenas, dos botellas de tinto vacías, bobinas de hilo rojo.

 

En otro cuarto, colgadas en la pared, fotografías. Intervenciones en la vía pública: mensajes de amor censurados como pornografía, como cinta negra sobre un sexo o una acción sexual.

 

Conversación y bordado.

 

¿Se puede criticar a un grupo de personas bordando amor, sensaciones de amor, gestos de amor en una mesa, compartiendo vino tinto? ¿Qué sucede cuando el artista no es el que hace sino el que propone una acción para que otros realicen? ¿Es un taller de bordado? Sí lo es su dinámica: una propuesta, lo grupal. Sin embargo no la cadencia auditiva. La música de fondo, la conversación suave, las copas con la botella de vino que queda y lo que generan; el ahora mantel (instalado sobre una mesa), luego será una gran pieza textil que nadie se llevará a su casa, sino una obra de la artista que propuso el hacer amoroso. Nadie pone su nombre: todos son artistas con acción de bordado anónimos y todo es una obra de Talma Salem. No por apropiación. “El autor intelectual” y los seguidores del clan. “Nuestro work in progess”.

La música de fondo son los Beatles, que inspiraron a Charles Manson y a su comunidad hippie de amor.

 

Los receptores activos van abandonando la mesa de reunión/ trabajo como si fuera una reunión de amigos. Se hace tarde, algunos se van yendo, otros no.

 

¿Hay arte en las reuniones de amigos? ¿Una reunión de amigos es arte? Una novela no es un libro de poesía, pero leyéndola de principio a fin con un lápiz a mano se podría encontrar algún verso, cita o momento memorable. Prestar atención al arte es arte o un hecho artístico. Extraer un verso de un tomo de poesía puede disparar una novela en la cabeza, se escriba o no.

 

ARMO (“r” sin bordar)

AMOR

ROMA

ORAM”

“TE BUSCO AMOR”

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Centímetro celeste sobre la mesa de bordado/ cuerpos (cosificación) del Grupo ARCHIVOS.

“AMO Y ME ENAMORÉ”

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Tomás Quiroga – “De la brevedad de la vida” – Video-performance

 

vitalidad que se va

 

Poema visual. La síntesis de la vida en 4´28´´.

 

Lo vital se respira hasta desaparecer. La vida se vive hasta no respirar más. El dispositivo vital/eléctrico, con un guiño impensado en la proyección sobre una pared con un enchufe y unos aparatos (de alarma o eléctricos) que recuerdan a un by pass que podría ser colocado en ese pecho, en donde se imprime en la piel VITAE (escrito como los mensajes de extraterrestres en grandes extensiones de campo).

 

VIT-AE

VITA (mina) E

VI Tom As E

 

La piel muere, se hincha, y la palabra desaparece; el cuerpo vive, retoma sus líquidos y retoma/retorna lo que era.

¿La memoria celular no es vital? El cuerpo retoma morir, desaparecer. Como dice la escritora y periodista Mariana Enríquez, a su vez citando a Flannery O´Connor, “en el mundo hay más muertos que vivos”.

El loop de Quiroga lleva a intentar la vitalidad en el vivir una y otra vez, nuevamente, respirar y morir, nacer y morir en distintos cuerpos y distinto todo. Pero todo igual.

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¿Por qué Tomás Quiroga trabaja con la pérdida de lo más vital que es el aire? Se queda sin respiración cuando lo tapa el agua del río en el dique que arma con su cuerpo, carga agua de río para riego hasta quedar exhausto. ¿Necesita experimentar en vida la vitalidad de lo vivo y la decrepitud de ya-no-poder, el ya-no-estar que le falta tanto tiempo debido a su extrema juventud, apenas 25 años? ¿Quién es “E”, lo que apenas logra sobrevivir en su piel, en él?

Necesita que lo sobrepase lo femenino hasta exasperar a muerte su lado masculino, pone en jaque uno a otro: una mujer tratando de matar a su padre o una mujer tratando de matar a su niño, su niño tratando de ayudarla y verla feliz. Pero no puede. La soledad hasta la muerte.

 

Ana Volonté – “Arreglo floral para septiembre seco” – Video-performance

 

Reuniendo su trabajo de peluquería y repostería, adhiriendo flores entre los cabellos con glasé.

 

Cuando Lady Gaga se quita una gran peluca en el “I Tunes Festival 2013” y muestra su propio cabello, arrodillada ante la multitud, tres hombres extienden sus manos para recibir horquillas, peluca, y darle una remera simple. El hombre que queda de espaldas a la cámara tiene un casco negro rizoma, como la obra anterior de Ana Volonté. Ella ahora, a cámara, de espaldas, muestra su pelo recogido, desprolijo, apenas arreglado. Frente al espejo, una, detrás, otra.

 

-Maquillaje de repostería: plateado.

-Todo seco, igual al glasé secándose en su pelo y sus párpados.

 

 

Luis Eduardo Toro – “Nombres, fechas, ausencia y memoria” – Obra coral

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vitalidad—aire—muerte

Ana Volonté – sequedad – flores secas – trata de vivir o que viva lo poco que pueda vivir

 

Círculo de respiración, de memoria, luz.

 

Tomás Quiroga trata de respirar hasta morir. La muerte y la vida, la memoria o el recuerdo tratan de estar presentes. De que la vida dure más, no sea tan breve. En el círculo de vida hacia afuera, unos seres nacieron en distintos años y transgeneracionalmente son habitados por el habla (el aire vital), por muertos, seres que ya existieron.

Ana Volonté tratando de llevar dulzura a la cabeza para adherir flores a ideas, a los muertos para atraer la vida; tratar de no ver la sequía, pero la sequía está (en el atrás, en el enredo de su cabello recogido).

 

un pecho respiratorio         una palabra: agrega (sella) a su cuerpo VITAE

 

Un cuerpo seco en la sequedad se agrega (adhiere) azúcar y flores y maquilla el cuerpo con elementos para tortas (alimento que en lo ideal, se corta y da en partes más o menos iguales).

 

Un círculo sonoro iluminado en la oscuridad va olvidando o simplificando hasta nombre/año y agrega un desaparecido (ahora aparecido – recordado – memorizado) que lo habita.

 

Brevedad de la vida: no se puede vivir para siempre.

Brevedad de la humedad: está todo seco, no llueve.

Brevedad de la memoria: están muertos, no se pueden revivir ni recordar todos los detalles, ni siquiera los detalles de acción de la misma performance.

 

“Me acuerdo de cuando vivía en un cuerpo vitae.”

“Me acuerdo de cuando llovía.”

“Me acuerdo.”

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Las hijas de Israel (MatíasDíaz, IvánGonzález,FátimaMadonna,

IsabelAlvarellos) – “Práctica elemental”

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Antes de la llegada de los receptores, los artistas se han apropiado del espacio: un lado vacío para que se llene, el otro lleno para irse vaciando con sonidos. Nunca mejor dicho, la cáscara de la nuez llena de nuez que se irá vaciando de nuez pero sin ser abierta. No hablemos de putrefacción interna de la nuez, sino de una salida completa de la nuez a la boca cerebral de los receptores sin necesidad de romper la cáscara.

Pero al final las cáscaras tampoco quedan vacías: es transmisión de información de una nuez, de un cerebro corpus/artístico a otro para quedar lleno.

La instalación que los receptores nunca verán, o sea, la estructura interna de la nuez (no la nuez) sino los laberintos cartilaginosos de la nuez y su caparazón del lado cóncavo, es una instalación con reminiscencias sesentistas: tv con pantalla titilante verde, mesas “desordenadas”, cáscaras de huevos y de castañas rotas en una cajita de plástico, artilugios de científico loco y una luz fuerte para iluminar un enganche del mundo de la física y de la nueva física cuántica del Dr. George Mc Surent. Con todo eso a punto de explotar o a punto de cometer la telepatía de un cerebro artificial a la masa crítica.

 

El mundo sonoro de las puertas: se abre una puerta y entra el sonido, se cierra una puerta y el receptor se queda encerrado con sus ruidos o sus silencios.

¿Es necesario ver los artefactos, la actividad Cage/caja?

 

Cada receptor va hacia la mirilla a espiar y escuchar como si fuera a comulgar o a confesarse, uno después de otro. Observar con delicadeza, con mesura. El acto de mirar puesto en concentración, diferente a la situación cotidiana de ver y ver y oír y oír.

 

Ópera sonora sin sopranos ni tenores, orquesta con una (des)composición de comienzo a fin. ¿Qué sucede a nivel cuerpo interno en el interior del laboratorio/nuez? La música que se oye detrás de la pared vecina, los receptores sentados frente a la pared y la pared hablando.

 

Sin embargo, al observar por la mirilla a vecinos que saben que son observados viviendo su vida lenta de sonoridad abombada de platillos y una constancia, por primera vez se puede espiar sin especular qué harán esos vecinos del otro lado de la puerta, de su puerta. Mirarlos y oírlos y que ellos sigan inmutables en su mundo de terror blanco y negro y sombras. Se puede stalkear porque nada parece cierto, es como observar una película pero siendo la película real. Cuando se asiste al cine o se ve algo en dvd en el hogar, no se posee la realidad del film, es plano, y detrás de las imágenes continúa el aparato que reproduce la imagen. Acá se ve una película pero es real.

 

—nave espacial: adentro no existiría más el tiempo

 

-poder de observación

-veneno

-respiración agitada

-alguien haciéndose daño físico

-cerca del fuego (chispas y humo)

 

—-performers sin miedo a estar en acción

 

Era claro que tenían cierta influencia de “Inland Empire” de D. Lynch, incluso con máscara de plástico de conejo, lo cual resulta curioso en Sudamérica. En esa zona el cineasta disfruta de una influencia importante en la obra de los artistas, principalmente ese film –no así “El hombre elefante” o “Dune”, por ejemplo- y su libro “Atrapa el pez dorado”, es tratado como secreto y de culto, cuando la edición está en manos de una multinacional (Mondadori) que imprime en grandes cantidades, no una escueta editorial independiente que saca 100/500 ejemplares. Pero no es inusual entre el Atlántico y el Pacífico.

 

Eva Ana Finquelstein + cámara de video

 

Finquelstein aparta a tres personas y les pregunta acerca de su percepción sobre lo que sucedió. Los receptores con la importancia del artista.

Claro que los receptores son especialistas en arte, como la periodista de artes visuales de la zona, Lic. en Letras y artistas de larga trayectoria. Eva A. Finquelstein registra el antes, durante y el post, una médica de alto seguimiento, el médico clínico tradicional de las antiguas familias. El médico de cabecera.

 

 

Rodolfo Ossés y Máximo Endrek – Yarará

 

Ossés osa con su cuerpo, la sutilidad de la voz y el uso de elementos en perfecta sintonía con un contrabajo en vivo. Por lo general, un músico no permitiría que colocaran un objeto dentro de su instrumento; Endrek, al dar un paso más y des-objetualizar su contrabajo para que sea cueva, por un momento permitió unificar más los pequeños elementos sensibles utilizados: trozos de madera que bien podrían servir para hacer fuego en una chimenea –de hecho en un momento eran sacudos dentro de una caja de encantador de serpientes y parecía que despedían humo, no era más que su propio polvillo de antigüedad-, un cuchillo que sacaba chispas contra el piso y una tira/serpiente que colgaba a veces como látigo de la cabeza de Rodolfo Ossés.

Particularmente este sombrerito que usaba hacía alusión, por instantes, a un bebé y recordaba a una performance que hizo el artista para la inauguración del II Festival Internacional de Poesía de Córdoba, envuelto en una especie de pañal, lo que hace pensar en ambos casos que vuelve al origen, al ser primigenio.

Su poder de observación con la mirada para seguir los movimientos de un cuchillo filoso o para coordinar saltos precisos con todo su cuerpo sobre trozos de madera a sus pies, remitían a la obra óptico/sonora que sucedía al lado y nunca se detuvo. Este pequeño hecho, la simultaneidad sonora, provocaba miedo: la petición en secreto de que no se oyera/ filtrara lo de al lado como invasión territorial, y cuando sí se oía, hacer de cuenta que no para intentar una concentración auténtica.

La sonoridad del contrabajo con la premura del desarrollo físico y uso objetual creaban un traslado en unidad.

 

El nivel de elaboración en el montaje de Las Hijas de Israel, con la creación de una pared hecha de bastidores envueltos con nylon negro grueso y una puerta de madera (sin picaporte) con escaloncito, llevó tiempo previo de mediciones, instalación y desmontaje. No se trató de algo hecho para mostrar rápido y luego huir y recibir alabanzas. Lo mismo que Ossés, se podía apreciar claramente que lleva una vida de cuidado intenso en su alimentación y por sobre todo, entrenamiento físico –aunque, paradójicamente, por momentos sus manos colgaban como las antiguas de los dinosaurios, atrofiadas, porque, como ellos, no las usaba–, que la extensión escénica era sólo un fragmento de una gran elaboración construida lentamente a diario. Lo del músico era más imperceptible, la maestría pasaba desapercibida por el uno unido al otro: uno era el otro y viceversa.

 

Las hijas de Israel— entrega, aislamiento, nave tiempo/espacial

Ossés y Endrek — desierto, austeridad, entrega

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Carla Tortul y Nilda Marsili “Ositos”

Hígado, carne picada e ir moliendo.

Al fondo, en otra mesa, elementos de tela para hacer un osito de peluche.

el menester del hígado que se muele – brillo cacoso/ mezclado con carne picada

 

Como una filmación hacia atrás, que recordaba a la obra de Vanessa Vahos “Juego con bolitas”: sucede algo en simultáneo y luego Marsili va hacia atrás como rebobinando una cinta y deja la carne atrás, en el paso de atrás y se rellena el osito. Tan atrás que aparece la infancia (macabra) con las sillas pequeñas de la abuela y otra pequeña sangrienta (roja).

 

Marsili, menesterosa y Carla Tortul prolijita, de negro, recortando el peluche de pelo fino color blanco inmaculado. ¿A quién muele la señora?

 

La misma señora (Marsili) que le da la carne descuartizada/picada, casi líquida a la más joven (Tortul) para que rellene el osito blanco ahora ensangrentado, se sienta a tocar un instrumento de cuerda con una cuchara.

 

La madre y la hija con su osito sangriento sentadas en sillas de niños.

 

Malén Otaño – “Pienso eso” – Video-performance

 

“SOS HERMOSA, PIENSO COMO SER COMO MUJER”

Escrito por la artista con cinta en la montaña, mientras escala y se sostiene. En la parte inferior de la montaña hay un hueco en forma de boca/ beso.

 

Sonido del viento en el micrófono/ la extensión y corte de la cinta.

 

Suyai Otaño – “De cualquier manera pero firme” – Video-performance

Performers: Malén y Suyai Otaño

 

Las performances de estas artistas, hermanas gemelas, son bien físicas: trepar, arrojarse piedras que van juntando, sostener.

 

Video-performance de las diferencias, la fe y la confusión. Tienen el coraje de hacer públicas preguntas que muchos artistas se hacen en voz baja. Invocan al subconsciente del arte y preguntan:

-¿Vamos a ser reconocidas internacionalmente como artistas?

-Sí.

-¿El arte es amor?

-Sí.

-¿Creés que nuestro arte se fortalece estando juntas?

-Sí.

-¿Alguna vez vamos a ganar plata como artistas?

-Sí.

-¿La plata que ganaremos la vamos a gastar en drogas?

-Sí.

-¿La fama, existe?

-No.

-¿Es importante aceptar el fracaso?

-No.

-¿El fracaso existe?

-Sí.

-¿Es el camino de la performance el camino correcto?

-Sí.

 

Malén y Suyai Otaño – “Tierra firme” – Acción in situ

 

El auto-registro como parte misma de la performance. ¿Serviría hacer una performance si no se registrara? ¿Por qué no un arte verdaderamente efímero? ¿En el arte de la performance vale más el registro que la performance en sí?

 

Separarse es lento para no ser destructivo, es destejido.

Las artistas van regalando una bolsita con parte de un hilito del que se van separando pero aún unidas.

 

-dos piedras

-dos tijeras

 

Logran separarse, con tranquilidad, y compartiendo con otros ese desmembramiento lento hasta lograr ser dos: una y una. Pero antes ya eran dos. En el momento de la separación, Malén sangra de la nariz.

 

Frase que escribió Suyai (Esperanza) a Malén (Doncella) y que decidieron compartir de modo impreso junto a los hilitos:

“No sé quién realmente soy, pero lo intento todos los días.”

2 pensamientos en “Textos Críticos / Charlotte Von Mess

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